L’interview

J’ai compris que j’étais allergique à une forme de spécialisation et que j’avais besoin de comprendre l’ensemble des choses.

L’informatique, en revanche, était un domaine qu’il m’était nécessaire d’approfondir au delà du basique, car j’étais principalement animée d’une profonde curiosité scientifique, artistique ou encore anthropologique, et pour le potentiel qu’il concentre. Notamment vis à vis des nouvelles et futures générations d’artistes et d’intermédiaires qui expérimentent cet outil et se déploient dans cet environnement.

Peu de professions ont une identité aussi constante à travers le temps et une visibilité aussi élevée que l’Art ; en raison de sa durabilité, qui vaut aux artistes les plus réputés de traverser le temps. Et par suite, peu d’activités professionnelles sont aussi bien documentées sur la très longue durée. En revanche, le marché de l’art est un phénomène plus récent, vers quelle période l’idée d’un “Marché de l’art” est-elle véritablement apparue ?

En effet, le Marché de l’art tel que nous le connaissons est un phénomène plus récent et s’est développé principalement dans la seconde moitié du 18e siècle. Même si à la période hellénistique  apparaissent les premiers témoignages d’achats d’œuvres d’art, neuves et à usage privé. 

Dans quelles galeries parisiennes as-tu travaillé ? 

J’ai réalisé l’essentiel de mon expérience à la galerie Karsten Greve, située rue Debelleyme dans le quartier du Marais; elle est aussi basée à Cologne en Allemagne et à St Moritz en Suisse. J’ai également travaillé à la galerie Rabouan Moussion, une galerie d’art contemporain située à deux pas, dans la rue Vieille du Temple, et dans la galerie Silbereis, spécialisée dans la céramique, et se trouvait dans le quartier du “Carré Rive Gauche”, association d’antiquaires et de galeries d’art au coeur du 7e arrondissement. 

Et comment les galeries constituent-elles leur collection ou effectuent-elles le choix des artistes qu’elles représentent ? Peux-tu nous dire quelque mots sur leur fonctionnement? 

Une galerie a un programme et une orientation artistique qui définissent son identité. Les artistes ne sont pas choisis au hasard mais en fonction du goût du directeur de la galerie, et l’on retrouve souvent un fil conducteur dans le choix des artistes (une collection est toujours plus ou moins un autoportrait). Les expositions peuvent être sous forme de Solo show, c’est à dire que l’exposition est entièrement dédiée à un seul artiste, ou de Group show, dans ce cas les œuvres sont sélectionnées en fonction des productions du moment des artistes, ou en fonction d’un thème en particulier. 

Qu’est-ce qui fait l’importance d’une galerie? Y a-t-il beaucoup de concurrence dans ce milieu ? 

La galerie s’engage à faire le nécessaire pour mettre en valeur le travail de l’artiste. Pour cela, elles doivent bénéficier de fonds importants afin de se permettre de financer les expositions ou les stands dans les différentes foires d’art du monde. Les frais engagés sont conséquents et couvrent les aspects relatifs à l’évènementiel, à la conservation et au stockage des oeuvres, au transport, à l’assurance, mais aussi à la publicité et à la promotion de leurs artistes. Certaines financent même la publication de leur propre catalogue sur le travail d’un artiste, comme c’était le cas pour la Galerie Karsten Greve. Les galeries n’ont en fait pas le choix: si elles veulent conserver leurs artistes les plus lucratifs, elles doivent s’internationaliser, c’est une question de survie. Il leur faut être au plus proches des clients, exposer et faire connaître le plus largement possible leurs artistes les plus importants. Il existe bien sûr de plus jeunes galeries au budget plus limité, mais les conditions demeurent difficiles. Les galeries souffrent, et risquent même de disparaître, menacées par les maisons de ventes aux enchères, disent-elles, qui leur font une concurrence acharnée, avec des moyens colossaux. Paradoxalement, les galeries sont aussi menacées par les foires elles-mêmes, qui drainent l’essentiel des acheteurs et les privent de visiteurs le reste de l’année. 

Qui décide du prix de l’oeuvre et comment est-il défini ? 

La question du prix d’une œuvre est souvent sujette à controverse. Il faut savoir que le prix d’un objet d’art n’a pas de valeur objective. Il ne se détermine pas en faisant un calcul savant, en multipliant le temps nécessaire pour le réaliser par le salaire horaire de l’artiste et en ajoutant le prix des matières premières. Le prix d’une œuvre est celui auquel le vendeur est prêt à laisser partir la pièce et ce que l’acheteur est prêt à mettre pour la posséder. Il est défini entre le galeriste et l’artiste. Il peut se baser sur la côte de l’artiste lorsqu’il en a une, et en fonction de divers facteurs extérieurs susceptibles de le faire fluctuer.

Peux-tu nous donner une idée de ces facteurs ? 

Ceci n’est pas exhaustif mais cela peut être une importante rétrospective dans un musée national, un concour ou un prix, qui est un gage de visibilité et de reconnaissance pour le travail de l’artiste, ou encore l’acquisition d’une oeuvre par des fonds de dotation ou des collections publiques.